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著名摄影大师。威廉艾格尔斯顿│William Eggleston。  

2010-10-07 23:04:42|  分类: 名师佳作欣赏 |  标签: |举报 |字号 订阅

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引用

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“黑白就是摄影的色彩”——罗伯特。弗兰克( Robert Frank )

“彩色摄影是粗俗的。”——沃克。伊文思(Walker Evans)

“拍不好,就把画面弄成红色的”——安塞尔。亚当斯(Ansel Adams)评价威廉艾格尔斯顿(William Eggleston)的作品“红屋顶”(The Red Ceiling

有人说William Eggleston的摄影作品具有油画的质感,那些饱和度极高的彩色照片很容易带给人视觉上的冲击和震撼,的确,William的作品色彩十分绚烂,充满南方绚烂的阳光和乡土气息,他的作品始终充斥着这种穿越时空的冲突,也许这就是他的魅力。

一直写到目前为止,所有的摄影大师都是主要拍黑白照片的。这可能让很多人觉得奇怪:为什么他们不拍彩色呢?这一方面是技术的缘故:彩色摄影的技术,直到50年代才真正成熟。而且彩色的价格以及感光度上的缺陷,直到70年代才被彻底解决。即使是现在,很多人也是认为黑白胶片比彩色胶片在感光度和颗粒细致度上更优胜。而且,彩色胶片的冲洗一直相当麻烦。而黑白胶片要容易得多,所以对喜欢自己冲洗和打印的艺术摄影家来说,这是个很大的障碍。但许多摄影家直到70年代甚至80年代还在拍摄黑白,那是为什么呢?因此还有另一方面的艺术上的原因:黑白比彩色容易掌握和控制。黑白可以被看做就是一种颜色:灰,区别只是多和少,明和暗。但彩色有无数种颜色。常见的大概就有几百种。而如果你想要的不是“仅仅拍出照片”,而是让“照片说你想说的”,那么你就要控制照片的所有细节,这方面黑白比彩色容易得就不是一点半点了。当时也没Photoshop,彩色照片在暗房里是很难精确的控制和修改的。但黑白就有很多的办法,能做很多很细腻的调整。我自己都经常在改照片改到头疼的时候,直接把它转成黑白,就轻松多了。

但就像摄影本身就是个现代技术造就的艺术一样,当彩色摄影的技术成熟之后,艺术家对它的探索也是必然的。这次要说的就是这些探索者中最早期和最成功的一位:William Eggleston。


William Eggleston 1939年出生在田纳西州的孟菲斯。对美国熟悉的人都知道:美国的东南部是比较保守和封闭的。他在出生之后没多久,家里就搬到了密西西比州的Sumner。他在那里度过了自己的童年和少年时代。他的父亲是一个工程师,转行做棉农做失败了。母亲则是当地一位法官的女儿。从小时候开始,Eggleston就是个内向的小孩:喜欢弹钢琴、视觉艺术和无线电。不过他上的高中则是个简直像斯巴达社会的地方:崇尚体育,把艺术和文学视为“娘娘腔”。当然,Eggleston在那里过得并不高兴。Eggleston之后去了三所大学,分别学习了1年,一个学期和五年,主要都是学艺术,不过都没获得学位。所以他大概也不是个很适合学校制度的人。但是他在这段时间里接触到了摄影:一所大学里的一个朋友给了他一台Leica(我怎么没碰见这么有钱的朋友?)。在这台Leica之前,他还得到了一台佳能的RF。

Eggleston在59年看到了Cartier-Bresson和Walker Evans的书,这让他开始了艺术摄影家的生涯。刚开始他是拍摄黑白照片的,不过没拍出多少名堂。直到65年,他才开始接触彩色胶片。一开始是彩色负片,后来是透明胶片,再后来是染料转印(我也不知道那都是啥)。他在67年才第一次去了纽约,见到了Garry Winogrand、Lee Friedlander和Diane Arbus。这是他第一次接触比较出色的同行。他之后和这些人都成了朋友。69年,他第一次见到了John Szarkowski,当时的MOMA摄影部门主任。Szarkowski对Eggleston的照片感到非常惊讶,于是就说服了MOMA,买下了一张Eggleston的照片。

74年算是他获得转折的一年。他出版了第一本个人影集:14 Photographs。里面都是染料转印的照片。他那年还获得了Guggenheim奖金,并且在哈佛大学获得了讲师的位置。76年,他在MOMA举办了个人影展,这是MOMA第一次举办彩色照片的个展。同年,他受滚石杂志的委托,去佐治亚拍摄总统选举。在那之后,他一直在不紧不慢的出版影集和办个展。进入90年代之后,他的创作似乎慢下来了。92年他还来过一次中国,在北京拍了一些照片。00年之后,他就在世界各地旅行拍摄。03年还去法国见到了Cartier-Bresson。

William Eggleston拍照片的最大特点是:他什么都拍。真的是什么都拍。广告牌、污水坑、废轮胎、垃圾堆、自家的冰箱。他把自己的这种风格称为“民主”。就是他把所有东西公平看待,并不因为什么东西漂亮就多拍,什么东西不漂亮就少拍或不拍。他拍的照片很少有人或者明确的意义。他的照片还有个很大的特点:色彩。你甚至可以说:他拍的不是东西,而是颜色。在他的照片里,中心其实不是对象而是色彩。当然你也可以觉得,他拍的东西其实是有讲究的。因为他的照片里充满了一种神秘的气息。虽然他拍的都是日常生活中的东西,但并不是给人彻底的亲切感,而是有一种似乎看到另外一个世界的情景的疏离感和离奇感。你甚至感觉照片里的地方一定马上要发生什么,但你不知道会发生什么。有人评价说,他的照片里有一种“深藏的危险”。

我个人觉得,Eggleston最大的贡献就是他对彩色摄影的贡献。在他之前的艺术摄影家,看到的世界是黑白的。典型的代表是Walker Evans,他用普遍的灰色曝光来表现美国南部的贫瘠和绝望。但Eggleston是在用颜色来看这个世界。在他的照片里,你看到的是蓝天、绿树、黄土、白色的房子、绿色的柱子和红色的天花板。照片过去和绘画最大的一点不同:黑白和彩色的区别,开始消失了。从前只有灰色,暗的灰色和亮的灰色有不同的涵义。现在有无数种颜色和涵义。红色的热情,蓝色的冷静,绿色的舒适和黄色的紧张。你甚至可以说:彩色摄影不仅发明了颜色,它甚至发明了黑白灰。所谓“蝉噪林愈静,鸟鸣山更幽 ”。

 


在Michael Almereyda最新的纪录片《真实世界的William Eggleston》中,William Eggleston一直显得从容不迫。这位身材瘦长的南方人在乡间荒废的建筑间、小镇的街道上,或烧过野草的郊区悠然踱步。他一手背在身后,就像在画廊里查看完成的照片那样审慎。然而,他并不是一位经验主义的猎手,指望射杀此刻存在的瞬间。很多时候,他对这个世界的关注与寻找,更像是要创造一条与他自身经验和情感相关的路径,他在其间行走,徘徊不去,没有尽头。

这种永恒的延续就像Eggleston最初创作彩色摄影获得的灵感一般,如同观看一条连续不断的长卷。谁知道应该在何时、何地、因为何种原因而举起相机呢?一切似乎毫无预兆地开始,缓缓显露出多种可能性。他将照片形容为玩笑与功课,他认为拍摄对象无关紧要。甚至当他受雇于拍摄一场Delta当地的婚礼时,从头到尾他都只是躺在草地上拍头顶的天空。

习惯沉默的Eggleston和他的作品一样高深莫测。他特立独行、顽固专横、不容辩解,却非常绅士友善。他对抗任何有关其艺术活动的理论、隐喻和口头表述,他总表现得温文尔雅,却相当坚持己见:“艺术,或我们称之为艺术的东西,你可以热爱和赏识它,但你无法真正谈论它。这没有任何意义。”他的“一意孤行”带领他在艺术界撞击开了彩色摄影的大门,让我们看到日常与绚丽相映成趣,那些貌不惊人的照片乍看之下平淡无奇,奔放而克制,因朴实的细节、饱和的色彩而显得异常动人,张力无穷。

谈论Eggleston,必然提到他1976年在纽约现代艺术馆举办的个展“William Eggleston的指引”。这是纽约现代艺术馆第一次做彩色摄影个展,被看作是摄影史上的分水岭,象征着彩色摄影已经得到了艺术最高权威机构的承认,也确立了Eggleston现代彩色摄影的先锋地位。

虽然在今天看来难以想象,然而在当时(20世纪70年代)彩色摄影并没有被纳入艺术的范畴,而是作为一种手段为商业摄影、业余摄影爱好者的快照成像或通俗电影服务。60年代,当老一辈的摄影领军人物如Edward Steichen和Walker Evans皆宣称彩色摄影粗鄙低俗时,一群勇于革新的摄影师开始了彩色摄影的尝试,他们用改良的技术大胆实践,其中包括 William Christenberry 与William Eggleston。对艺术家来说,与一套崭新的技术形式抗争的机会,以及在几乎没有先例的情况下探索一种极富表现力的媒介都是一次令人兴奋不已的冒险。

1973年拍摄的那张《红色天花板》是Eggleston难得的有明确标题的作品,同时也是他最为著名、被提及最多的作品。颜色的强势在这张照片中一览无余。为了强调色彩,他使用了转染法(dye-transfer)来处理照片。这是他70年代初在哈佛大学授课期间的偶然发现,这种方法让颜色呈现出极强的饱和度,当时作为一门过时的技术主要应用于商业广告。Eggleston说:“《红色天花板》是这么有力。当你看着它,就像是鲜红的血溅湿了墙壁……时常一丁点儿红色就够了,但使用大面积的红是一种挑战。”

我们在这张照片中能看到什么?平凡无奇的对象、艳丽异常的颜色,以及与众不同的视角。也许这能简单概括出Eggleston的作品风格,却明显语意未尽。我们可以看到这些照片如此简洁有力:日常事物呈现出的异常惊艳生动的场景、朴实无华的地点、毫不起眼的人物。它们确实想让人用语言往其中注入意义。然而不知何故,他作品主题的平凡与色彩呈现出的超现实光辉形成对比,让我们回到起点:沉迷、悬而未决,以及失语。

著名摄影大师。威廉艾格尔斯顿│William Eggleston。 - │Icê Blüe│ - ∑xtent°∧rt,
William Eggleston. Greenwood, Mississippi, 1970s


       William Eggleston1939年出生于美国田纳西州的孟菲斯,在密西西比的萨姆纳长大。故乡孟菲斯成了他镜头下永不厌倦的主题。美国南部乡村的日常景象鲜艳明媚地出现在他的作品中,却显得疏离和奇异。1960年前后,他受到两本截然不同的著作的影响:Henri Cartier-Bresson的《决定性瞬间》和Walker Evans的《美国摄影》。他从他们那里学会了冷峻与复杂,以及对平凡和日常事物的热爱。尽管他从黑白摄影开始其艺术生涯,却很快放弃了它们并尝试彩色创作。1965年他开始使用彩色反转片,1967年转向彩色负片。此后,他的作品里极少再出现黑白照片。

Eggleston有一种在平凡景致中发现美的独特才能,以及惊人的运用色彩的能力。我们一眼便知那些平时就环绕在我们四周的东西,包括旧轮胎、废弃的三轮车、自动贩卖机、空的可口可乐瓶、被撕破的海报、电线杆与电线、街头路障、单行道标志、停车计时器以及棕榈树。而那些被选中的场景也再平凡不过:朝镜头跑来的狗、站在乡间小路上的女人、一排乡下的邮筒、便利商店、Krystal快餐店的门厅。所有这些平常的景象都在Eggleston的照片中饱和丰富的色彩下被赋予新的意义。显而易见,他捕捉到平凡世界的复杂性与美丽,一针见血。Eduora Welty说:“这些非凡、瞩目、诚实、一丝不苟的照片都与我们在这个世上的生活品质息息相关:它们成功地向我们展示了此刻的本质,就像看到一棵树的横截面……它们聚焦于这个凡俗的世界。然而没有一个题材能比平凡世界蕴含更多的信息和意义!”

“民主摄影”是Eggleston所秉持的摄影哲学,这是他在色彩之外最为动人的地方。他相信照相机可以在任何地点拍下任何东西,一切对象在镜头前都是平等的,尽管很久以前他也和大多数人一样将巴黎看作摄影师的梦想之地。1989年出版的Eggleston的第二本作品集《大众的森林》收录了他150幅照片,它们从上千张与“民主摄影”概念吻合的作品中挑选出来,可以说是他最出色的作品。虽然当年在纽约现代艺术馆个展上展出的照片被《纽约时报》的首席艺评家Hilton Kramer形容为“无与伦比的陈腐与枯燥”,慧眼独具的策展人John Szarkowski则坚信Eggleston是第一位真正懂得观察和运用颜色的摄影师。1967年Eggleston带来的那一箱彩色照片足以让Szarkowski惊喜不已,这位当时刚策划了Garry Winogrand、Lee Friedlander和Diane Arbus等人的展览《新纪录》的策展人是纽约现代艺术馆摄影部部长,他鼓励Eggleston要有足够的耐心,随后说服MoMA的摄影委员会购买了一张Eggleston的作品,并在九年后亲自策划了改变Eggleston命运的展览。如同展览主题明晰预示的那样,Eggleston将我们引进了彩色摄影的世界,让我们领悟到在畏惧与爱之间难以平衡的情感。

畏惧来自作品中潜伏的危机,波澜不惊之下的暗潮汹涌。Eggleston摄影的不可思议还在于,他让我们耐心凝视图片中的一切细节,逐渐看到关于这些世俗场景的暗流。表面上,它们展现的是孟菲斯城郊和普通人——朋友、家人、后院、烧烤野餐、三轮车和凡尘的混乱,然而,这些事物的常态具有欺骗性,它们令人迷惑,在沉静的照片之下隐藏了怪诞、不安与虚空。

除了自己拍摄作品以外,Eggleston还接受商业委托。他的客户包括《滚石》杂志、AT&T、可口可乐公司、猫王、歌手David Byrne、导演John Huston、Gus Van Sant等。

在摄影师的光环之外,Eggleston嗜酒,热衷收藏各类昂贵的武器,对Video和扬声器颇有研究。他喜欢听巴赫,喜欢买明信片,喜欢从杂志上剪裁图片。他好抽烟,并坚持声称这对他的健康有益。采访他的人往往希望和他谈论摄影,最后却以威士忌和枪支结束话题。而大多数时候,他保持着沉默、耐心和警惕,如同他的照片一般神秘、难以捉摸。此外,他游历广泛,却始终居住在孟菲斯。

William Eggleston,他带来了超出你预期的光亮,同时又让人看到更深更暗的阴影。


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